Să luăm în considerare utilizarea și combinarea diferitelor tipuri de compoziții în funcție de imaginea și designul alese folosind exemple.

Natura moartă se numește „Povestea unui felinar uitat într-o călătorie”.
La crearea acestei naturi moarte, a fost folosit doar un felinar aprins din obiecte, care a fost adus pe malul unui rezervor acoperit cu zăpadă. Apoi textura unei coperți de carte veche a fost adăugată la Photoshop, subliniind flăcările.
Ideea a fost foarte importantă în alegerea compoziției unei naturi moarte. Ar fi trebuit să existe un minim de obiecte pentru ca nimic să nu distragă atenția de la obiectul principal, iar punctul de vedere ar fi trebuit ales astfel încât peisajul din fundal cu perspectiva în retragere a țărmului să poată fi citit. Suprapunerea texturii face fotografia mai dramatică. Compoziția este diagonală, liniară pentru a sublinia forma obiectelor și linia coastei. Accentul principal al compoziției este focul, situat la intersecția liniilor proporției de aur. Cea mai mare parte a compoziției este deplasată spre marginea din stânga, în urma căreia ochiul de la foc continuă să urmeze linia țărmului până în colțul din dreapta sus, căutând acolo un punct de echilibrare opus diagonal. Un astfel de loc ar putea fi o navă la orizont, care este absentă pentru a crește sentimentul de singurătate la locul de muncă.

Natura moartă se numește „Simfonie în tonuri de roșu și auriu”. Titlul și stilul lucrării sunt inspirate de opera lui Whistler, un artist care s-a ocupat de probleme armonii de culoare ca elemente cheie ale designului artistic. Își numea adesea lucrările „simfonii”. Compoziția este construită într-un oval pentru a sublinia formele moi, rotunjite ale obiectelor, forma ovală este continuată în fereastra ceasului. Contururile obiectelor sunt atenuate, estompate, creând efectul de ceață, strălucire, aproape de somn. Obiectele în sine sunt selectate ca simboluri ale cunoașterii: o rodie spartă este structura cunoașterii, cărțile și un sul sunt rezultatele acesteia, iar un ceas (un simbol al timpului) este conditie necesara. Lucrarea se bazează pe unitatea relațiilor tonale și cromatice (în tonuri închise).

„Povestea bătrânului marinar” sau „Povestea bătrânului marinar”. Istoria acestei naturi moarte este destul de simplă: obiectele au fost selectate în funcție de asocieri cu țările din sud, procesând în stil fotografie veche, parțial colorat. Dar natura moartă în sine este pusă în scenă în așa fel încât obiectele sale în masa lor să pară ca un portret (opera artistului renascentist D. Arcimboldo este luată ca bază). În consecință, producția conține o dublă asociere cu călătoriile pe distanțe lungi: obiecte din „țări îndepărtate” și naratorul - „bunicul călătorul”.

„Aşteptare”. Fotografia a fost făcută la Muzeul Mașinilor de Epocă din Moscova. Compoziție echilibrată cu ritm tonal de siluetă. Ideea lucrării este că fiecare subiect are propriul său timp. Compoziția este construită în așa fel încât să creeze senzația unei gări, în care pasagerii (lucrurile) își așteaptă rândul în fața unui panou (ore în șir)...

"Toamnă". Naturile moarte pe o temă de toamnă sunt foarte diverse, bogate și frumoase peste tot. Dacă ne amintim de naturile moarte pitorești ale lui M. di Caravaggio, ele întruchipează toată fertilitatea „toamnei”, triumful lui Bacchus. Prin urmare, compoziția acestei naturi moarte se bazează pe tehnicile folosite de artistul italian. Obiectele sunt prezentate într-o manieră conturată, decorativă, compoziția este construită după o formă de „triunghi”. Textura aplicată conferă lucrării un aspect clasic.

„Margarete” sau „Natura moartă la țară”. Compoziția este, de asemenea, construită într-un triunghi, dar accentul principal este pus pe iluminare - ușoară, caldă, moale. Unitatea relațiilor tonale și cromatice (în tonuri deschise) oferă lucrării un sentiment de seninătate, nepretențios, frumusețe simplă.

„Coacăze”. O compoziție liniară friză este foarte potrivită pentru a sublinia frumusețea liniilor de ciorchini de coacăze și netezimea tranzițiilor lor. Ritmul formelor rotunjite creează senzația de margele împrăștiate.

„Totul a dispărut.” Compoziție tonal, friză, triunghi închis. Flori uscate, mere „ofălite”, o farfurie prăfuită ciobită au fost luate drept simboluri ale bătrâneții. Liniile de înclinare ale florilor creează prezența „dialogului” între obiecte, conversație, asistență reciprocă și sprijin. Accentele sunt plasate în nuanțe galben-verzui.

„Toamna înghețată”. Frumoasa nuanță albastru-violet rece care este prezentă în obiecte creează o atmosferă de noblețe, o senzație de ger ușor și îngheț. Culoarea originală a mărului seamănă cu modelele geroase pe sticlă.

„Totul este uitat”. Compoziție liniară contur friză. Florile uscate, merele „decolorate”, o farfurie prăfuită ciobită sunt simboluri ale bătrâneții. Spre deosebire de natura moartă „Totul a plecat”, nu există dialog, motiv pentru care titlul conține cuvântul „uitat”. Accentele sunt plasate în nuanțe de galben și alb.

"ceai de fructe de padure" Compoziție diagonală dinamică, liniară, construită pe ritmul culorilor roșu, alb și negru. Combinațiile de culori au fost alese în asociere cu ceai de fructe de pădure-floral - cald, cu o nuanță complexă roșu-maro. Un ușor accent în procesare este dat stilului retro.

"Mur". Stilul retro. Nuanțele nobile de purpuriu închis ale murelor și florilor de nalbă sunt subliniate prin contrastul cu culoarea galbenă a cupei
.

"Simfonie". Compoziție diagonală, liniară. Florile și frunzele sunt aranjate într-o ordine similară cu partiturile. Florile într-o vază simbolizează diferite nuanțe în muzică (forte, pian). Draperiile din fundal oferă suport pentru liniile din prim-plan.

Lucrarea se bazează pe unitatea relațiilor tonale și cromatice. Compoziție liniară într-un interval similar. Natura moartă conține ideea de a compara două principii - 1. Fragilitate, tandrețe, ușurință, trecător, fragilitate (phlox), 2. Duritate, eternitate, constanță, statică (vază din piatră) și combinarea lor: căldură, eleganță , plasticitatea și unicitatea contururilor florilor și a liniilor de colorare ale pietrei.

„Cochilie”. Compoziția este construită în formă de cerc. Florile sunt simboluri (alegorii) ale stelelor de mare, iar vaza sunt scoici. Textura adăugată conferă lucrării efectul valurilor aurii care sclipesc la soare.

"Păstoriţă". Aici aceeași vază acționează ca un coș. Aranjamentul obiectelor (flori, frunze si vaza) este planar, decorativ, de contur. Lucrarea evocă asocieri cu pictura franceză din epoca rococo.

„Umbre de seară” În această natură moartă, în construirea compoziției, un rol important l-au jucat nu numai obiectele în sine (asteri și mere), ci și umbrele care cad din ele, care acționează (datorită formei lor clare, lizibile) ca subiecte independente. a fotografiei.

„Pentru ea...” Soluția tonală a compoziției. Natura moartă este realizată în stilul cărților poștale vechi. Flori (bujori albi mari) într-o vază, șiruri de perle albe, inele și cercei cu perle - toate indică „feminitatea” naturii moarte. Ceața adăugată și alte texturi conferă lucrării o ușurință suplimentară și aerisire.

„Viața naturală”. Natura moartă se traduce literalmente prin „natura moartă”. Dar în trecut, de la apariția acestui gen în artă, situația a început să se schimbe. Un nou nume pentru acest gen a apărut în fotografie - „Natura moartă” - „viață liniștită”, din ce în ce mai multe experimente. Ideea acestei lucrări a fost „nașterea unei noi naturi moarte”. Pisicuța din natura moartă este centrul compoziției - componenta principală a naturii moarte. Compoziția cu ton liniar este construită într-un triunghi. Tonul deschis din natura moartă, firele de păr iluminate din spate ale blănii pisoiului și poziția sa sunt simboluri ale nașterii. De asemenea, fructele sunt alese să fie de dimensiuni mici pentru a menține atmosfera.

„Asteri”. O natură moartă clasică, forma vazei este subliniată de un fundal întunecat. Compoziția este diagonală, predominanța a doi asteri (liliac și alb) în buchetul din partea dreaptă creează o poveste despre cum s-au uitat 2 flori din masa totală pentru a se admira în oglindă. Iar oglinda în sine, în combinație cu un fundal întunecat, conferă lucrării o notă de decor teatral.

Buecher. Compoziția clasică, construită pe relații tonale dintre obiecte, este construită într-o figură „triunghi”, unde axa centrală joacă și ea un rol important (pe ea există puncte semantice: capul unei fete la fereastră de Vermeer, un contrast contrastant). foaie albă pe un fundal întunecat al unei cărți, al unei monede). Două lumânări paralele și fumul care iese din ele dau o compoziție dinamică.

Natura moartă clasică cu fluture. O compoziție din două părți, construită pe unificarea grupurilor de obiecte și concluzia figurilor lor compoziționale - grupul suport (în această natură moartă - un triunghi obținut printr-un grup de frunze) este situat în interiorul celui principal (o elipsă obținută). prin dispunerea generală a obiectelor). Compoziție „contur”, „liniară”. Suportul de culoare al colțurilor din stânga jos și din dreapta sus (fluture și draperii în fundal) este, de asemenea, (împreună cu linia vizuală de la gura ulciorului) și o ieșire dinamică în colțul din stânga sus.

Mamut. „Compoziție tonală clasică, aranjată într-o figură „triunghi dreptunghic”. Obiectele de natură moartă formează două grupe echilibrate între ele: grupa 1 - două ulcioare, grupa 2 - doi elefanți.

Ceramică. Compoziție „ton”, dispusă în formă ovală. Ieșirile dinamice din acesta sunt linii vizuale de la o frunză de arțar, două spice de porumb și mânerul unei plăci. Schemele de culori apropiate nu numai că unesc obiectele, dar le subliniază și individualitatea prin îmbunătățirea rolului texturii.

Natura moartă clasică. „Contur”, compoziție „liniară”, construită pe interacțiunea a două grupuri de obiecte, combinate în forme geometrice: 1 grup - construit pe accente în tonuri galben-verde - „semi-ovalul” - cel principal, 2 grupe - „triunghi”, construit pe culori apropiate - suplimentar. Compoziția conține ieșiri dinamice în colțurile din stânga sus și din dreapta sus: frunze de flori, mâner de coș, blat de lumânare, mâner de ulcior.

Teekane. „O compoziție de tonuri bazată pe contrastul tonurilor deschise și întunecate. Centrul compozițional principal este construit pe puncte contrastante, cel suplimentar - pe cele apropiate. Ritmul în compoziție este stabilit de dungile din fundal, ele se echilibrează și ele.

Mandarine. Setarea 1. Compoziție diagonală cu un grup de obiecte combinate suplimentar într-o figură geometrică „elipsă”. Compoziția este contur, construită pe combinații de culori similare.

Mandarine. Setarea 2. Compoziție din două părți (triunghi și elipsă), contur, construită pe combinații de culori similare. Ieșiri dinamice: 1 - linii vizuale de-a lungul frunzei și gâtului ulciorului până la colțul din stânga sus; 2 - linii vizuale de-a lungul pielii mandarinei din colțurile din stânga și din dreapta jos.


Autor: Iulia Dorofeeva

În anii 1970, în cultura occidentală, provocând arta acum abstractă, a apărut o nouă mișcare a picturii - fotorealismul (sau hiperrealismul, suprarealismul). Pânze uriașe de pictură în ulei, care se disting doar prin dimensiune de fotografii. Nu a existat niciodată așa ceva în artă - artiștii au luat ca bază fotografia, nu viața și, în plus, fotografia de zi cu zi, de amatori. În tablourile fotorealiştilor există o viaţă cotidiană banală, realitate impersonală, bidimensională, rece, impersonală, lipsită de emoţii, trecută prin fotografie. Hiper-realitatea este combinată cu detașarea la copierea unor astfel de fotografii. Ideologia fotorealismului este recunoașterea faptului că publicitatea, televiziunea și, în principal, fotografia, în diferitele lor manifestări, sunt atât de dominante în percepția vizuală a oamenilor moderni, încât înlocuiesc realitatea ca atare. Fotografia este un obiect la fel de real și important ca realitatea - fotografia este adesea chiar mai convingătoare decât realitatea în sine. Discutând despre principiile percepției vizuale moderne și despre rolul artistului în societate, fotorealismul a devenit prima artă conceptuală.
Fotorealismul a dovedit că fotografia este limbajul vizual cel mai adecvat pentru conștiința și percepția modernă, baza întregii culturi vizuale moderne.

Ralph Goings. „Suport pentru șervețele albastru”. 1980

Ralph Goings.

Fotografia contemporană (fotografie contemporană) s-a format în anii 1990, când artiștii au început să lucreze cu fotografia ca media. Fotografia modernă nu există în afara contextului și este de neînțeles pentru un privitor neinstruit. Fotografia a încetat să mai fie un obiect estetic. Toată fotografia modernă poate fi împărțită în două domenii:
1. Fotografia conceptuală (se explorează pe sine);
2. Fotografia interdisciplinară (disciplinele înrudite pot fi: știință, cultură, sociologie; de ​​exemplu, studii sociale sau dialog cultural cu fotografia clasică).

În paralel cu fotografia modernă, există arta plastică (artă plastică, artă despre frumusețe), a cărei unică sarcină este de a transmite frumusețea lumii înconjurătoare. Arta plastică nu se aplică fotografiei moderne.

Fotografia conceptuală este fotografie despre fotografie, artă care analizează arta. Este ocupată să se exploreze: propriul ei limbaj, funcția, rolul ei, natura ei.
Sarcina principală a artistului este de a face privitorul să gândească, în timp ce fotografia conceptuală pune întrebări mai degrabă decât oferă răspunsuri. În timp ce o fotografie este creată, au loc cercetări și raționament, ele sunt mai importante decât rezultatul final - fotografia în sine. Fotografia este pur și simplu un mediu, o formă vizuală de expresie, o explorare a artistului.
Seria în fotografia modernă are sens nou– aceasta nu este o istorie fotografică, ca în modernism, ci o tipologie, ca la Karl Blossfeldt. Cu excepția unor autori, artiștii lucrează în serie (o declarație se naște doar într-o serie), unde fiecare fotografie individuală nu este un fel de poveste.

Inițial, fotografia conceptuală a fost neatrăgătoare din punct de vedere estetic, documentară și neinteresantă din punct de vedere vizual. Astfel, artiștii s-au hotărât limbă nouă poze, noua programare. Eliminarea tuturor declanșatorilor obișnuiți din imagine fotografie clasică(„moment decisiv”, compoziție, emoții, gesturi, scenă recognoscibilă, evidențierea principalului), artiștii au căutat să forțeze privitorul să privească fotografia în sine, să se gândească la natura ei. Fotografia conceptuală este nejudecată, uscată și îndepărtată.

Mai târziu a apărut așa-numita „fotografie post-conceptuală”, care a devenit mai comună din punct de vedere estetic și mai costisitoare de produs, ceea ce a influențat în consecință prețul operei de artă finale. De regulă, astfel de lucrări, în urma fotorealismului, sunt de dimensiuni enorme, filmate pe camere de format mare și tipărite în așa fel încât să fie vizibile toate cele mai mici detalii. Datorită acestei metode de prezentare a unei imagini, fotografia se apropie cât mai mult de realitate, permițând privitorului să împărtășească realitatea înfățișată în fotografie. Hiper-detalierea oferă hiper-realitate hipertrofiată. În același timp, mulți artiști folosesc estetica fotografiilor amatoare pentru a-și transmite ideile.

Artiștii folosesc limbaj modernîn fotografie, cu excepția intrării în dialog cultural cu istoria artei sau istoria fotografiei.

Este posibil ca abordarea conceptuală a fotografiei să fi diminuat inițial interesul pentru genul naturii moarte. Cu toate acestea, datorită unor artiști, natura moartă fotografică a primit noua etapa dezvoltare. Astfel, Jan Gruver (1943-2012) a transformat ustensilele de bucătărie în compoziții artistice. Gruver preferă adesea forma în detrimentul conținutului, în timp ce aproape șterge tema din munca sa. Compozițiile ei constau adesea doar din marginile obiectelor, reduse dincolo de recunoaștere. Textura este la fel de importantă ca și forma. Fotografiile din seria lui Gruver sunt mai puțin instantanee ale ustensilelor de bucătărie și reprezentări mai complexe, uneori abstracte, ale aranjamentelor spațiale care implică formă, culoare și textura.

Jan Gruver. Fără titlu. 1978

Lucrarea artiștilor elvețieni Peter Fischli (n.1952) și David Weiss (1946-2012) afirmă fotografia ca mijloc prin care artistul este capabil să prezinte cotidianul, dar în cazul lor - deformat, convențional, dubios. Pentru seria lor „Echilibrium/Quiet Afternoon”, ei au luat obiecte de zi cu zi și le-au echilibrat în structuri precare, astfel încât sculpturile ciudate să se clatine pe marginea prăbușirii. Sculpturile lor, nesupuse gravitației, au o fragilitate și o fragilitate picante, iar camera le-a făcut eterne.

Peter Fischli și David Weiss. „După-amiază liniștită” 1984-1985

Nobuyoshi Araki (n. 1940), considerat un geniu și cel mai mare fotograf japonez în viață, are un interes deosebit pentru temele feminității, figura feminină și sexul. Folosind miezul unui fruct copt, ușor șifonat, Araki a repetat forma organului feminin. Creand seria „Erotos” în 1993, Araki a venit cu numele, combinând două teme care joacă un rol cheie în arta sa: temele lui Eros și Thanatos (conform teoriei lui S. Freud, „Eros” este dragoste, creație, sex, viață, „Thanatos” - dorința de cruzime, agresivitate, sadism și moarte). În fotografiile lui Araki, aceste forțe se ciocnesc: sursa poftei masculine devine un fruct care a început deja să devină mucegai și să se descompună. Criticul de artă Jerry Badger a spus: „Pornografia este într-adevăr în ochii privitorului”.

Nobuyoshi Araki. „Erotos”. 1993

Fotografia de Margriet Smulders „Love Conquers All” dă naștere unor sentimente conflictuale. În ea se remarcă influența picturilor din secolul al XVII-lea și se aud ecouri ale temei confortului acasă. Frumusețea aici este indisolubil legată de degradare. Florile din fotografii, pe care Smulders le face adesea cu oglinzile, par să fie pe cale să cadă. Ea însăși numește florile „actori” care înfățișează „întreaga lume, cu toate relațiile și situațiile dramatice”. Există un vag sentiment de amenințare în această fotografie: compoziția este tăiată ici și colo de ramuri curbate, iar golul albastru apos din centru amenință să inunde întreaga imagine și să distrugă florile fragile. Smulders funcționează în genul clasic de natură moartă, dar culorile exagerate și nerealiste creează un efect șocant care nu se găsește de obicei în fotografia cu flori. Ca multe fotografi moderni, Smulders a văzut moartea și inevitabilitatea decăderii în natură. Florile din fotografia ei par a fi părți separate ale corpului, precum dinții și limbile, care sunt sortite putrezirii. „Picturile luxuriante și neobișnuit de erotice te duc într-o altă dimensiune. Oglinzi uriașe, vaze de sticlă elaborate, draperii groase, fructe și buchete tăiate - din asta sunt făcute aceste „pânze”, spune însăși Margriet Smulders despre lucrările ei.

Margriet Smulders. „Dragostea învinge totul”. 125x1100 cm. 2005

Această lucrare este într-o rezoluție bună pe site-ul web al autorului http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7 unde o puteți derula într-un ritm confortabil și rămâneți la orice parte
Un site încântător al lui Smulders cu alte lucrări http://www.margrietsmulders.nl

Fotograful american James Welling (n. 1951) își numește practica „o renaștere a modernismului, dar într-un context istoric”. Seria Flower este o analiză aprofundată a trecutului fotografiei și a statutului acesteia pe măsură ce a evoluat. Welling plasează butași de plante pe film alb-negru și le expune, umbrele lor albe reflectate pe fundalul negru al negativului. Apoi, folosind filtre colorate de diferite forme, se expune din nou. Rezultatul sunt fotograme vibrante de flori - contururile lor întunecate pe un fundal alb cu o multitudine de nuanțe moi și strălucitoare. John Herschel a inventat termenul de „fotografie” (a scrie cu lumină), în timp ce William Henry Fox Talbot a inventat un alt termen, „sciografie” (arta umbrelor). Seria „Floare” este rodul ambelor definiții: în prima etapă (crearea unui negativ) se folosește umbra unei plante, în a doua (crearea unui pozitiv colorat) umbra este umplută cu lumină strălucitoare, dând naștere unui fotografie. Welling ne amintește că umbra joacă un rol la fel de important în fotografie ca și lumina. „Nu este că nu sunt interesat de conținut, dar conținutul nu este singurul lucru care dă sens unei fotografii”, spune Welling.

James Welling. Din seria „Floare”. Tehnica fotogramei autorului. 2006
Fotograme cu flori pe site-ul Welling, unde puteți găsi și alte proiecte http://jameswelling.net/projects/17

Abstracții monumentale de Christian Marclay (n. 1955) – „Reminder (Survival of the Fittest)”. Titlul servește ca un indiciu - un memento al unui medium pe moarte. La o examinare mai atentă, casetele sparte devin vizibile, devine clar că o bandă magnetică desfășurată este întinsă de-a lungul întregii imagini. Pentru aluzia sa la teoria lui Darwin și la „stingerea” casetei, Marclay a recreat inteligent tehnologia cianotipului aproape dispărută din secolul al XIX-lea și a imitat stilul „disparut” al impresionismului abstract și al lui Jackson Pollock.

Christian Marclay. „Supraviețuirea celui mai apt”. Cianotipuri. 2008

„Radiațiile emană din corpul real care era „acolo”, atingându-mă, situat în alt punct; corpul obiectului fotografiat este legat de privirea mea printr-un fel de cordon ombilical”, a scris Roland Barthes, iar cuvintele sale au făcut ecou afirmația lui Susan Sontag că „o fotografie permite obiectului înfățișat în ea să ne atingă ca razele tardive de stele”. O urmă, un stâlp indicator, orice fir care leagă fotografia de realitate sunt țesute în mod interesant în lucrările fotografului britanic Richard Learoyd (n. 1966). În atelierul său a dezvoltat o tehnică fotografică complet nouă. Folosind spațiul ca o cameră întunecată, el creează pânze uriașe pe hârtie fotografică pozitivă. Lumina care sară de pe un obiect este aceeași lumină care strălucește în ochii tăi. După cum ar spune Barthes, obiectul și privitorul sunt conectați printr-un cordon ombilical de fotoni. Imaginile în oglindă ale lui Learoyd par incredibil de aproape; Primii teoreticieni ai fotografiei au numit astfel de fotografii „nebunia materiei” sau, după cum spunea Andre Bazin, „o halucinație care este și adevărată”.
În fotografia „Blocuri de beton cu un iepure de câmp”, corpul neînsuflețit al unui iepure de câmp „ține” blocuri de beton într-o stare semi-suspendată, reprezentând o parodie înghețată a vieții. Reproducerile lui Learoyd, la fel ca cele ale multor alți artiști contemporani, rareori rezonează cu spectatorii. Tehnicile sale fotografice inovatoare îi permit să creeze imagini monumentale cu detalii incredibil de clare, chiar și atunci când vedeți lucrarea de aproape. Spectatorii sunt atrași de pânze uriașe cu imagini hiperrealiste. În fotografia prezentată aici, o asemenea forță de prezență, o asemenea credibilitate creează un contrast puternic cu corpul neînsuflețit al unui animal mort. Folosirea de către Learoyd a hârtiei fotografice pozitive evocă una dintre cele mai timpurii forme de fotografie (făcută populară pentru fotografiarea morților): dagherotipul. Lumina vine direct din obiect și se așează pe suprafața dagherotipului, unde, la fel ca în tehnica Learoyd, nu există un negativ intermediar.

Richard Learoyd. „Blocuri de beton cu un iepure”. 2007

Videoclip despre Learoyd și camera sa http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

Majoritatea lucrărilor maestrului german Thomas Demand (n. 1964) sunt copiate din fotografii, inclusiv cele din știri, dobândind un triplu sens: în esență, acestea sunt fotografii ale sculpturilor de hârtie ale fotografiilor imaginii originale. Conștientizarea acestui lucru duce privirea privitorului în jos de-a lungul galeriei oglinzilor, unde diferența dintre realitate și ficțiune devine evidentă. Cererea începe prin selectarea unei fotografii, apoi creează o copie 3D la dimensiune naturală din hârtie și carton, pe care o distruge după fotografiere. Fotografiile sursă descriu adesea evenimente celebre: în lucrarea sa „Centrul de vot”, el reproduce fotografii ale Centrului de operațiuni de urgență din Palm Beach, unde au avut loc alegerile prezidențiale din anii 2000. Imaginea ridică problema procesului „contemplării hârtiei cu găuri pentru mai mult de 6 săptămâni, când două sau trei sute de coli de hârtie ar influența în mod semnificativ soarta acestei lumi”. La prima vedere, imaginea din fotografie seamănă cu un birou mare. Cu toate acestea, la o examinare mai atentă, se observă că toate telefoanele sunt la fel, suprafețele sunt plane și acesta este un birou din hârtie. Hârtia este simultan un suport de relief și un obiect imagine (buletinele de vot). Imitând subtil realitatea, Demand ridică întrebări cu privire la autenticitatea fotografiei. Poți avea încredere în fotografie? Este real ceea ce este înfățișat pe ea?

Cererea Thomas. „Punctul de vot”. 2001
Lucrarea cererii pe site-ul lui (nu uitați că totul este doar hârtie) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Oamenii percep adesea fotografia ca pe un purtător de informații care surprinde cu adevărat o bucată de lume. Lucrarea lui Ori Gersht (n. 1967) complică această viziune, forțând privitorul să caute discrepanțe între fotografie și viziunea umană. Imaginea „Explozie” din seria „Time after Time” arată o imagine hiperrealistă care împarte timpul în particule minuscule, ceea ce depășește puterea ochiului uman. De asemenea, scoate la suprafață tensiunea care există între frumusețe și cruzime. Gersht recunoaște: „Sunt interesat de contrarii – frumusețea și respingerea, modul în care momentul distrugerii din timpul exploziei unui buchet devine pentru mine un moment al creației.” Gersht a înghețat mai întâi florile cu azot lichid, apoi a plasat mici cochilii explozive între petale și a surprins momentele exploziei folosind viteza mare. camere digitaleși un dispozitiv electronic special conceput care le-a lansat. Un buchet de flori a fost imortalizat în momentul exploziei.

Ori Gersht. „Buchet de flori”. 2000

Un alt proiect pe site-ul CRG Gallery http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Sharon Core (n. 1965) a studiat inițial pentru a fi artistă, iar mai târziu s-a recalificat ca fotograf. În consecință, ea trasează o linie clară între aceste două mijloace de exprimare. Intrând în dialog cu fotorealiştii care au pictat imagini din fotografii, Kor creează fotografii bazate pe tablouri. Fotografia „Mere” a fost inclusă în seria „Stil colonial”. Când te uiți la această fotografie, se pare că aceasta este doar o fotografie a unui tablou din epoca vechilor maeștri. „Eu pun în scenă „realitatea” unei picturi din secolul al XIX-lea în ceea ce privește iluminarea, ideea și scara... pentru a ajunge la o imagine iluzorie a unei alte epoci.” Inspirația sa a fost Raffaelle Peale, autoarea a peste o sută de naturi moarte create în perioada 1812-1824. Când a recreat compoziția din pictura lui Peale în atelierul ei, Cor a încercat să transforme obiecte tridimensionale în suprafețe bidimensionale în relief din pictura artistului. Tehnica ei trasează o linie îndrăzneață între fotografie și pictură, forțând spectatorii să pună la îndoială genul operei și rolul autenticității.

Sharon Cor. „Mere”. 2009

Lucrarea Laurei Letinsky (n. 1962) „Untitled No. 23” în stilul său seamănă cu o natură moartă străveche, unde tradițiile olandeze și flamande sunt clar vizibile. Ea recunoaște că este influențată de amestecul ciudat al Renașterii de Nord și de Sud, iar creațiile ei reflectă acest sentiment „ambiguu, confuz și greu” al spațiului. Compozițiile lui Letinski sunt prezentate în lumină naturală. Pentru ea, lumina este și un actor, „incontrolabil... Lumina este capabilă să surprindă”. Atunci când își creează majoritatea lucrărilor, ea folosește lumina dimineții, dar pentru seria „Câine și lup” a ales o strălucire catifelată a amurgului și o viteză foarte mare a obturatorului. Titlul episodului este o aluzie la zicala franceza despre amurg, timpul magic in care cainii se transforma in lupi.
Fotografiile ei la scară largă creează o atmosferă de tactilitate și intimitate, de parcă ar trebui doar să întindeți mâna pentru a atinge.
subiect. „M-a impresionat faptul că Ultima Cina este o scenă de masă în care mâncarea de pe masă apare ca un personaj suplimentar, joacă un rol secundar. Și m-am gândit ce s-ar întâmpla dacă aș scoate principalul personajeși lăsați totul așa cum este.” Accentul său principal este pus pe ideea că fotografia arată ceva care nu mai există.
Coaja aruncată a unei portocale pe jumătate mâncată și cojile de fistic împrăștiate - întreaga scenă seamănă cu o masă care nu este curățată după cină. „Fotografiez resturi și debarasuri pentru a explora relația dintre maturitate și distrugere, rafinament și stângăcie, control și șansă.” Perspectiva imaginii este foarte neobișnuită: masa arată disproporționat din punct de vedere geometric, iar fisticul de pe podea se contopește practic cu cojile de pe masă. Compoziția fantomatică a lui Letinski creează o atmosferă bântuitoare de nesiguranță și absența prezenței umane în trecut. „Mă interesează ce sa întâmplat „după”, ce a rămas... și ce a dispărut pentru totdeauna.”

Laura Letinsky. „Fără titlu nr. 23”. 2009

Fiecare autor are propria abordare a naturii moarte, fiecare își rezolvă propriile probleme, folosind metode unice de obținere a imaginilor și forme de prezentare. Dar, în orice caz, în natura moartă modernă, ca în toată fotografia modernă, ideea iese în prim-plan. În funcție de enunț, se selectează atât metoda de fotografiere (în scenă sau documentară), cât și modalitatea de prezentare a imaginii finale (plastificare, casete luminoase, cărți foto ale autorului, imagini obținute prin metode alternative de printare sau folosind primele tehnologii foto etc.). .


Naturile moarte pitorești din secolul al XIV-lea povesteau despre efemeritatea a tot ce este pământesc și despre inevitabilitatea morții. Erau pline de simboluri, a căror semnificație astăzi este greu de înțeles pentru privitorul obișnuit. Despre ce ne spune natura moartă fotografică modernă? Ce subiecte îi preocupă pe fotografi care lucrează în acest gen? Vom afla despre asta la seminar.

CE VEI ÎNVĂȚA?
-S-au păstrat temele principale ale picturilor cu natură moartă încă din Evul Mediu? Ce spun lucrările din acest gen astăzi?
-Ce este mai bun pentru o natură moartă - fructe, fluturi, flori sau gunoi?
-Se poate crea o natură moartă din o mie de obiecte?
-Cine face cele mai revoltătoare naturi moarte?
-Este posibil să fotografiați naturi moarte sub apă și ce rezultă din asta?
-Este corect să fotografiezi compoziții compuse sau este mai bine să găsești compoziții care s-au format de la sine?
-Este posibil să folosiți Photoshop atunci când compuneți naturi moarte sau totul ar trebui să fie „corect”?

PENTRU CINE ESTE ASTA?
Seminarul este conceput pentru o gamă largă de ascultători și nu necesită abilități speciale. Cursul nu va fi plictisitor pentru nimeni prezent; tot ce aveți nevoie este un interes pentru fotografia modernă.

Informații video
Nume: Fotografie ca arta contemporana: natură moartă
Andrei Zeigarnik
Anul lansării: 2017
Gen: Seminar
Limbă: rusă
Lansat: Rusia
Durată: 02:21:54

Fişier
Format: MKV
Video: AVC, 1440x900, ~997 Kbps
Audio: AAC, Kbps cu pierdere, 48,0 KHz
Dimensiunea fișierului: 1,1 Gb

Natura moartă ca gen de artă a apărut în secolul al XV-lea și apoi a avut o nuanță religioasă foarte clară. Multe imagini cu sfinți au fost încadrate cu aranjamente florale. Deja în secolul al XVII-lea, natura moartă s-a format în sfârșit ca gen, moment în care au apărut regulile de bază ale compoziției și tehnicile clasice.

De la apariția fotografiei, natura moartă nu și-a pierdut din popularitate, chiar dacă majoritatea fotografilor de astăzi sunt atrași de oportunitatea de a fotografia în acțiune. Maeștrii se străduiesc să filmeze ceva momentan și neașteptat, imaginile statice sunt mai puțin atractive și interesante pentru mulți.

Unii pot crede în mod eronat că fotografia cu natură statică nu este un tip de fotografie dificil, deoarece poate părea că fotografiarea a ceva care nu se mișcă sau nu se schimbă în timp nu este atât de dificilă. De fapt, fotografiile cu natură statică sunt rezultatul unei munci lungi și monotone. Un fotograf de natură statică trebuie să lucreze tot timpul cu lumină și obiecte. El schimbă periodic locurile subiecților, fundalurile și unghiurile.

Ca exemple grozave de fotografii cu natură moartă, vă vom arăta imagini Paulette Tavormina- un fotograf celebru din New York. Trăind în oraș mare, Paulette și-a găsit propriul mod de a scăpa din agitație. Ea petrece ore întregi în propriul studio, filmând naturi moarte formate din legume, fructe și flori. Fotografiile Paulettei Tavormina amintesc de imaginile clasice din pictura clasică. Sunt extrem de artistice și fascinante.

Paulette Tavormina creează, de asemenea, compoziții uimitoare de flori, plante și insecte mici pe un avion. Imaginile arată mai mult ca ilustrații din cărți de botanică sau modele uimitoare de plante.

Fotografiile Paulettei Tavormina se află în muzee, colecții corporative și private și au fost prezentate la Paris, Londra, Moscova, New York, Los Angeles, Miami și Chicago. Paulette este o fotografă autodidactă și-a dezvoltat ea însăși tehnica ei unică de fotografiere a naturii moarte, învățând din picturile maeștrilor olandezi.















Modele de plante